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Morton Fine Arts präsentiert eine globale Gruppenausstellung mit Faserkunst, die sich mit Heilung, Rekultivierung, Finden und Gefunden-Werden beschäftigt
Morton Fine Art freut sich, die internationale Gruppenausstellung „Knit, Restored, Woven, Healed“ anzukündigen. Die Ausstellung präsentiert Textilkunst, die sich mit den Themen Heilung, Wiederaneignung, Finden und Gefundenwerden auseinandersetzt. Gezeigt werden Werke der Künstlerinnen Kesha Bruce (USA), Lizette Chirrime (Mosambik), Maliza Kiasuwa (Belgien und Kenia) und Adia Millett (USA). „Knit, Restored, Woven, Healed“ vereint die Textilkunst dieser vier Künstlerinnen, die auf drei Kontinenten arbeiten, und ist von der Überzeugung getragen, dass Erneuerung, Heilung und die Bedeutung von Materialität im Mittelpunkt stehen. „Während meine Arbeiten durch die Verwendung von wiederverwerteten Stoffen und historischer Ikonografie der Vergangenheit huldigen, ist ihre leuchtende, atheistische Bildsprache zukunftsorientiert und von ihr geprägt“, erklärt Millett. „Sie erinnert uns an die Wichtigkeit von Erneuerung und Wiederaufbau, nicht nur durch den künstlerischen Prozess, sondern auch durch die Möglichkeit transformativer Veränderung.“ Die Ausstellung „Knit, Restored, Woven, Healed“ ist vom 24. Mai bis 26. Juni 2024 in den Räumlichkeiten von Morton in Washington, DC (52 O St NW #302) zu sehen. Die Vernissage findet am 1. Juni von 2 bis 4 Uhr statt.
In der Tradition ihrer Vorfahren arbeiten Chirrime und Kiasuwa mit ausdrucksstarken Materialien, die von der Vergangenheit erzählen und gleichzeitig die Vergangenheit in die Gegenwart hineinwirken lassen. Ruhe sowie körperliche und seelische Heilung sind ihr Ziel. Die mosambikanische Künstlerin Chirrime verwendet Abfallmaterialien aus ihrer Umgebung und ihrem direkten Umfeld. Aus Stoff, Garn, Seil, Farbe, Stichen und vielem mehr fertigt sie dynamische Collagen, die das afrikanische Frausein und die menschliche Existenz thematisieren. Chirrimes Wechselspiel zwischen Textilien und Abstraktion, Selbst und Universum, Weggeworfenem und Repariertem erschafft eine Welt der Wechselwirkung zwischen Selbst und Anderem. „Ich nutze Stoff, um Werke als eine Form der Selbstheilung zu schaffen“, sagt Chirrime. „Und gleichzeitig, um das Universum zu heilen.“ Chirrimes Kunst als therapeutisches und spirituelles Werkzeug ermöglicht ein neues Verständnis von Repräsentation und menschlicher Natur. Mit farbigem Faden schenkt sie Hoffnung und Heilung.
Eine weitere Künstlerin, deren langjährige Praxis auf gefundenen Objekten und ihren Geschichten basiert, ist Kiasuwa. Sie verwebt unterschiedliche Materialien mithilfe von Fäden zu einem ineinandergreifenden Dialog. „Faserkunst eignet sich hervorragend für Themen wie Wachstum, Erneuerung, Wiederaufbau und Wandel“, erklärt Kiasuwa. „Die Beschaffenheit der Fasern, die sich verdrillen, verweben und vernähen lassen, spiegelt die Verbundenheit und Widerstandsfähigkeit des Lebens wider. Jeder einzelne Faden, so zerbrechlich er auch sein mag, wird stark und stützend. Die Vielseitigkeit der Fasern ermöglicht ständiges Experimentieren und Weiterentwickeln. Ich kann Fasern färben, bedrucken, schneiden und auf unzählige Arten bearbeiten und so die Dynamik von Wandel und Transformation zum Ausdruck bringen.“ Kiasuwas Werke zeigen und simulieren oft gleichzeitig eine Vision des Austauschs zwischen Parteien, die – obwohl materiell möglicherweise dissonant – formal von Harmonie und Würde geprägt sind. Als bildende Künstlerin europäischer und afrikanischer Abstammung bringt Kiasuwa eine panoptische Perspektive in ihre grenzüberschreitende Arbeit ein, die das Nebeneinander zweier Welten als unerschöpfliche Inspirationsquelle und potenziellen Raum für Versöhnung betrachtet.
Als seit über 25 Jahren ausstellende Künstlerin hat Bruce ihre Kunst stetig darauf ausgerichtet, den künstlerischen Prozess als Selbstzweck zu erfassen und zu fördern. Ihre intuitive Kombination aus Malerei, Collage und Textilkunst stellt den Höhepunkt einer ganzheitlichen, über Jahrzehnte entwickelten künstlerischen Praxis dar, die sich oft mit Themen wie Leben, Erneuerung und Heilung auseinandersetzt. „Viele der Materialien, die ich verwende, sind wie von Zauberhand zu mir gefunden worden. Vor Jahren beschäftigte mich die Verwendung von gefundenen, selbstgemachten oder gekauften Materialien wohl mehr, aber heute habe ich mich dem Gedanken vollkommen hingegeben, dass Objekte, Stoffe und Materialien mich finden“, so Bruce. Ihre Mixed-Media-Kompositionen, die die Künstlerin schlicht als Gemälde bezeichnet, sind in Wirklichkeit Patchworks aus bemalten Stoffen. Diese wählt sie einzeln aus ihrem umfangreichen Archiv aus und klebt sie direkt auf die Leinwand – eine Textilcollage, die mitunter an eine Patchworkdecke erinnert. Jedes Werk ist das Ergebnis eines langsamen und kontinuierlichen künstlerischen Prozesses und repräsentiert stundenlange Bearbeitung, Auswahl und Gegenüberstellung, bis das Ganze deutlich mehr ist als die Summe seiner Teile. Bruces Prozess endet mit der Vergabe eines Titels für jedes Werk: eine poetische Artikulation dessen, was das Werk zu diesem Zeitpunkt für sich selbst auszudrücken vermag.
Milletts Werk verknüpft afroamerikanische Erfahrungen mit umfassenderen Vorstellungen von Identität und kollektiver Geschichte und verweist so auf die fragile Verbundenheit allen Lebens. Indem sie Werke aus lebendigen und vielschichtigen Fragmenten zu einer Bedeutung zusammenfügt, die über die Summe ihrer Teile hinausgeht, verdeutlicht Millett die vielschichtigen Parallelen zwischen kreativem Prozess und persönlicher Identität. Ihre Textilien, die auf der häuslichen und künstlerischen Tradition des Quiltens basieren, vereinen kulturell vielfältige, oft wiederverwendete Stoffe und historische Ikonografie.
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Morton Fine Art
Morton Fine Art (MFA) wurde 2010 in Washington, D.C. von der Kuratorin Amy Morton gegründet und ist eine Kunstgalerie und Kuratorengruppe, die mit Kunstsammlern und bildenden Künstlern zusammenarbeitet, um neue Wege für den Erwerb zeitgenössischer Kunst zu inspirieren. MFA ist fest davon überzeugt, dass das Sammeln von Kunst durch eine pädagogische Haltung gefördert werden kann, und hat es sich zur Aufgabe gemacht, durch eine Kombination aus inhaltlichen Ausstellungen und einer einladenden Plattform für Dialog und Austausch origineller Stimmen den Zugang zu zeitgenössischer Kunst in Museumsqualität zu ermöglichen. Morton Fine Art ist auf eine herausragende Liste national und international renommierter Künstler spezialisiert und legt einen zusätzlichen Schwerpunkt auf Kunstwerke der afrikanischen Diaspora.
Kesha Bruce (Arizona, geb. 1975, Iowa). Bruce wurde in Iowa geboren und wuchs dort auf. Er absolvierte ein BFA an der University of Iowa, bevor er einen MFA in Malerei am Hunter College in New York City erwarb. Bruce erhielt Stipendien von der New York Foundation for the Arts (NYFA), dem Vermont Studio Center, der CAMAC Foundation und der Puffin Foundation. Ihre Arbeiten sind in den Sammlungen des Smithsonian Museum of African American History and Culture (14 Stücke), des Amistad Center for Art and Culture, des University of Iowa Women's Center, der En Foco Photography Collection und der Franklin Furnace Artist Book Collection des MOMA enthalten. Seit 2011 wird sie von Morton Fine Art vertreten.
Zusätzlich zu ihrer Studiopraxis ist Bruce seit 2019 Artist Programs Manager bei der Arizona Commission on the Arts. Sie fungiert außerdem als Vorstandsvorsitzende des Tessera Art Collective, einer gemeinnützigen Organisation, die die Arbeit und Praktiken von Tessera Art Collective unterstützt und fördert BIPOC-Künstlerinnen, die in der Abstraktion arbeiten. Bruce ist außerdem Mitbegründer von Black Girl Basel – der einzigen Veranstaltung während der Miami Art Week, die gezielt für schwarze Künstlerinnen, Kreative, Unternehmerinnen, Aktivistinnen und kulturelle Verändererinnen ins Leben gerufen wurde.
Lizette Chirrime (geb. in Mosambik, Inhambane) schafft kunstvolle Stoffcollagen auf Leinwand, die gleichermaßen feierlich und ergreifend wirken. Die Künstlerin spielt mit dem Spannungsfeld zwischen Figuration und Abstraktion und entwickelt so eine einzigartige – und unverwechselbar afrikanische – Bildsprache. Indem sie bedruckte Stoffe, Perlen und andere vertraute Gegenstände aus dem südlichen Afrika zusammennäht, verwandelt Chirrime einfache Materialien in autobiografische und narrative Tableaus, die von tief empfundenen Emotionen und Bedeutungsmustern durchdrungen sind. Viele ihrer Collagen stellen mütterliche Figuren und Geschichten afrikanischer Mutterschaft in den Mittelpunkt. Sie würdigt deren jahrtausendealtes Erbe an Stärke und Anmut und nutzt deren Darstellung als symbolisches Mittel.
Nach einem dreimonatigen Aufenthalt in den Greatmore Studios in Kapstadt im Jahr 2005 verbrachte Chirrime die nächsten 16 Jahre ihrer Praxis in Südafrika. Im Jahr 2021 kehrte sie in ihr Heimatland Mosambik zurück, wo sie heute lebt und weiterhin kreiert.
Maliza Kiasuwa (geb. 1975 in der Demokratischen Republik Kongo) ist eine bildende Künstlerin mit europäischen und afrikanischen Wurzeln. Sie lebt und arbeitet in Europa und Kenia, wo sie Kunstwerke mit anregenden und vielseitigen Elementen schafft, die die mystische Kraft der afrikanischen Natur feiern. Dabei verwendet sie Rohmaterialien und traditionelle Symbole der Energie, die durch die Adern des Kontinents fließt. Alltagsgegenstände transformiert sie, indem sie reduktive Methoden wie Zerreißen und Verdrehen mit konstruktiven Prozessen wie Binden, Weben, Nähen und Färben kombiniert. Der Prozess ist fließend, konzentriert und meditativ. Kiasuwa hat bereits in Kenia, der Schweiz, Italien, England und den Vereinigten Staaten ausgestellt.
Adia Millett, ursprünglich aus Los Angeles, Kalifornien, erhielt ihren MFA vom California Institute of the Arts. Im Jahr 2001 zog sie für das renommierte Whitney Museum Independent Study Program nach New York City, gefolgt vom Studio Museum in Harlem Residenzprogramm. Millett erhielt ihren BFA von der University of California, Berkeley und einen MFA vom California Institute of Arts. Sie war Artist-in-Residence am Whitney Museum Independent Study Program und am Studio Museum in Harlem. Sie hat in bedeutenden Institutionen ausgestellt, darunter im New Museum, New York; PS 1, New York; Museum der afrikanischen Diaspora, San Francisco; Oakland Museum, Kalifornien; Crocker Art Museum, Sacramento; Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco; Santa Monica Museum of Art, Kalifornien; Das Museum für zeitgenössische Kunst, Atlanta; Das Contemporary Art Center, New Orleans; Barbican Gallery, London, San Jose Quilt and Textile Museum; und im California African American Museum, Los Angeles, wo 2019 eine von der Kritik gefeierte Einzelausstellung ihrer Arbeiten stattfand. Millett unterrichtete am Columbia College in Chicago, an der UC Santa Cruz, an der Cooper Union in NY und am California College of the Arts. Millett lebt derzeit in Oakland, Kalifornien.
